Esta semana en Caja de Pandora, tuvimos una conversación extensa con dos músicos nacionales: Claudio Cisternas (Jon Claudio, Chiodata, Golosy, Alicia Orzimbra…) y Jorge Cortés (Cáncer, Receptor, Jorge C.,).

Repasamos su historia, los distintos proyectos musicales que se entrecruzan en Ojo de Apolo y lo más importante tuvimos la posibilidad de escuchar sus distintos proyectos. La conversación íntegra está en podcast y la puedes escuchar acá:

Todos los temas que sonarán en Caja de Pandora, este viernes 03 de septiembre a las 22 horas.

Sufjan Stevens: Enchanting ghost/All delighted people (EP) (2010, bandcamp).

The Clientele: As The World Rises And Falls/Minotaur (2010, merge).

Grimes: Shadout mapes/Geidi primes (2010, arbustus records).

Northern Lite: In japan/Letter and signs part 2 (2010, bmg).

Beach House: Walk in the park/I tunes session (2010).

Preacher’s Son: Space and time/Looks like a flood, feels like a drought (2010, the hi family).

Goldmund: Dane street/Famous places (2010, western vinyl).

Baths: Nordic laurel/Heart music group (2010, heart music group).

Autolux: Spots/Transit transit (2010, tbd).

Drawing Mountains: A panoramic dream/Ventures (2010, self production).

Annuals: Eyes in the darkness/Count the rings (2010, souterrain transmissions).

No Age: Glitter/Everything in between (2010, sub pop).

The Raveonettes: I wanna be adored/50 years of dr. martens (2010).

S. Carey: Action/All we grow (2010, jagjawuar).

Demdike Stare: Caged in stammheim/Liberation through hearing (2010, modern love).

High Wolf: Solar system is my god/Ascension (2010, not not fun).

Diaphane: Signa/Samdhya (2010, ant-zen).

Electric Sea Spider: And start west/The thief (2010, mine, all mine! Records).

Leaf: Catplay/Clouds (2010, from a tree records).

James Blackshaw: Part 2/All is falling (2010, young gods).

Last Holidays: Tema 1/Anton (2010, self production).

Fossil Cities: Stoners/Stoners (2010, universal electricity).

Kemialliset Ystävät: Kajastusmuseo/Ullakkopalo (2010, fonal).

Kites Sail High: And then what/Heart music group (2010, heart music group).

La Dirección de Extensión y Comunicaciones de la Universidad de Valparaíso y su Radio Valentín Letelier invitan a todos los interesados a participar en el concurso para crear un nuevo logotipo para la radioemisora.

BASES DEL CONCURSO.

1.- Atributos del Logotipo.

a) El nombre de la emisora “Valentín Letelier”.
b) El dial de la misma 97.3 FM.
c) Al menos uno de los colores corporativos de la Universidad de Valparaíso.

2.- Requisitos de Entrega.

a) En un sobre, incluir una copia digital de la propuesta (formato freehand o illustrator) en cd firmado con un seudónimo, además de una impresión a color en hoja tamaño carta.

b) Dentro del sobre, incluir otro sobre cerrado y firmado con seudónimo, en cuyo interior deben especificarse el nombre completo, carrera, email y teléfono del participante.

c)  Los sobres deben ser entregados en la Dirección de Extensión y Comunicaciones de  la Universidad de Valparaíso ubicada en Avenida Errázuriz 1108, Valparaíso.

3.- Fechas del Concurso.

Las fechas de recepción serán desde el 1 de septiembre de 2010 y cerrará impostergablemente el 12 de noviembre de 2010 a las 17:00 horas.

4.- Composición del Jurado.

a) El jurado estará integrado por integrantes del directorio de Radio Valentín Letelier y de Direccion de Extensión y Comunicaciones quienes contarán con la colaboración de académicos de la Escuela de Diseño de la Universidad de Valparaíso.

b) El jurado seleccionará un ganador, que se dará a conocer en la celebración del aniversario de la radioemisora (noviembre 2010).

c) Sin perjuicio de esto, el jurado podrá declarar desierto el concurso en caso de determinar que no hay propuestas que cumplan el cometido.

5.- Premio.

a) El ganador recibirá un reproductor digital I-Pod, junto con un certificado de participación firmados por el Director de Extensión y Comunicaciones y por el Director de Radio Valentín Letelier.

Nota: La sola participación en el concurso implicará la aceptación de estas bases y otorga el derecho a los organizadores a editar, publicar, distribuir y reproducir en cualquier medio el logotipo premiado.

Lisérgico es una de las bandas más activas de la escena porteña 2001, caracterizada por su lectura del grunge y el liderazdo de su vocalista y guitarrista Jurel. Precisamente Jurel es la cabeza de un proyecto alternativo, Adelaida, que con el tiempo ha ganado mayor resonancia y se ha consolidado como grupo a través del registro “La Vida paralela de los sueños”. Este trabajo contiene duenas dosis de texturas de guitarras y algunas versiones como  “Cymbaline” de Pink Floyd.

Faloko, bajista del trío de punk pop Inestable (”No hay después”, 2003 y “Arte del desastre” 2005), nos contó sobre los próximos proyectos del grupo. Ellos se presentaron en Limache, en donde aprovecharon de promocionar el cuarto sencillo de “Paranoia”, “Mujer audaz”, temas que han tenido alta rotación en MTV Latino.
Por otro lado fuimos visitados por Danilo y Papelucho, voz y guitarra del recordado cuarteto porteño de hardcore Nuestra Señora Violencia. Junto a ellos repasamos algunos cortes del imprescindible Valparanoia” (Riña Discos 2003), una placa referencial del sonido de Valparaíso, y en especial del Cerro Barón.

Escucha esta edición de Rockceanía:

Por cuarto año consecutivo las películas de FIDOCS visitarán Valparaíso. Este año será particularmente atractivo: se exhibirá por primera vez fuera de Santiago “Nostalgia de la luz” de Patricio Guzmán, película inaugural del festival en Santiago, además de varios de los cortos que acompañan la película, y tendremos una interesante sesión de la Escuela de Espectadores en torno a la proyección, hecha por el periodista especializado Javier Ibacache, quien hace estas sesiones también en Santiago. La película ganadora de la Competencias Nacional del festival “El edificio de los chilenos” también estará presente en la muestra.

Hospedados en el hall central del CENTEX o Centro de Extensión del Consejo Nacional de la Cultura en Valparaíso (ubicado en Plaza Sotomayor s/n), FIDOCS mostrará además algunos de sus principales documentales de este año. La cita será entre el miércoles 11 y el sábado 14 de agosto. Y la entrada será gratis.

El siguiente es el programa de este año:

Miércoles 11 Agosto 2010
19:00
PANORAMA INTERNACIONAL
“Kommunalka”
(97’, Dir: Francoise HUGUIER)

21:00
CORTOS NOSTALGIA DE LA LUZ
“Astrónomos de mi barrio”
(14’, Dir: Patricio GUZMÁN)
PANORAMA INTERNACIONAL
“El conocimiento es el principio: Orquesta Este-Oeste de Baremboim”
(114’, Dir: Paul SMACZNY)

Jueves 12 Agosto 2010
19:00
PANORAMA INTERNACIONAL
“Ya que hemos nacido”
(89’, Dir: Jean-Pierre DURET & Andrea SANTANA)

21:00
CORTOS NOSTALGIA DE LA LUZ
“Oscar Saa, el técnico de las estrellas”
(10’, Dir: Patricio GUZMÁN)
“Chile, una galaxia de problemas”
(32’, Dir: Patricio GUZMÁN)
PANORAMA INTERNACIONAL
“Barcelona o la muerte”
51’, Dir: Idrissa GUIRO.

Viernes 13 Agosto 2010
19:00
PANORAMA INTERNACIONAL
De un muro al otro: Berlín-Ceuta
(90′, Dir: Patric JEAN)

21:00
CORTOS NOSTALGIA DE LA LUZ
“José Maza, el viajero del cielo”
(12’, Dir: Patricio GUZMÁN)
GANADORA MEJOR DOCUMENTAL COMPETENCIA NACIONAL
“El edificio de los chilenos”
(95’, Dir: Macarena AGUILÓ)

Sábado 14 Agosto 2010
18:00
“Madrid”
(41’, Dir: Patricio GUZMÁN)
“Lugar de encuentro”
(62’, Dir: Edgar DÖLL)

20:30
SESIÓN ESPECIAL
ESCUELA DE ESPECTADORES – NOSTALGIA DE LA LUZ

21:00
CORTOS NOSTALGIA DE LA LUZ
“María Teresa y la enana marrón”
(12′, Dir: Patricio GUZMÁN)
FUNCION ESPECIAL
“Nostalgia de la luz”
(90’, Dir: Patricio GUZMÁN)

FIDOCS VALPARAISO (11-14 agosto 2010) se realiza con el apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), en Centro de Extensión del mismo consejo (CENTEX), el Festival Internacional de Documentales de Santiago (FIDOCS), y la Embajada de Francia. Organiza CULDOC.

Nos encontramos a Pedro Subercaseaux caminando por las calles de Valparaíso (“la mejor ciudad puerto cercana a Santiago”) y como no estaba de paso, lo invitamos a La Juguera de Radio Valentín Letelier, caía de cajón. Look desgarbado, de rock star…nada. Algo de esa sencilla actitud tiene su álbum debut Pedropiedra (2009) que repasamos junto a él en La Juguera.

Por Alejandra Delgado

Pasa los invernales días de julio en Valparaíso. En parte para capear el frío capitalino, pero sobre todo dedicado a grabar las voces de su segundo disco Cripta y Vida. Está “casi terminado”, cuenta, aunque para que salga del horno todavía resta. Alterna el proceso creativo en tanto con la promoción de su trabajo homónimo en tocatas varias en Santiago a las que asiste un público fiel.

Después de participar en diversos proyectos musicales como CHC, Hermanos Brothers, Yaia y Tropiflaite, es este estreno en solitario el que lo ha hecho más conocido. Pedropiedra nació con suerte. Leonel García, el cantante del disuelto dúo romántico Sin Bandera le prestó su estudio de grabación y luego Subercaseaux pagó para que lo masterizaran en los Sterling Sound Studios de Nueva York. El resultado: 13 canciones estrafalariamente pop, varias de ellas convertidas en corto tiempo en hit, como la adultamente infantil Inteligencia Dormida o la folclórica Ayayayay, tema central de la película La Nana, dirigida por el cineasta (y amigo personal de Subercaseaux) Sebastián Silva. Ah! y por supuesto la dulce balada Sol Mayor. “Hay que tener una canción romántica para que sea un disco equilibrado” dice con ironía, después de programarla para los auditores de La Juguera.

Cuenta Pedropiedra que las autobiográficas letras de sus canciones son un trabajo lento. Al principio cuesta que salgan. Las pule de a poquito. Hasta conseguir la forma que él busca. Es casi como “armar un crucigrama bien largo”, dice. La fórmula gusta y los fans aumentan. La cantante mexicana Julieta Venegas, de hecho, le dejó un mensaje en su myspace (http://www.myspace.com/pedropiedras) congraciada con su música. Y Pedro, feliz con la referencia.

A salir del locutorio, un fan le pregunta si por anda con algún disco que le pueda regalar. Pedropiedra reconoce que no trae ninguno, pero lo invita a descargarlo gratis en Taringa! (www.taringa.net) y uno se queda pensando en la desprendida actitud. Hacer música para compartirla, esa parece ser la manera hoy por hoy.

Te invitamos revivir la entrevista con Pedropiedra. Descarga el podcast acá.

Julio, mes de debut para el Sello Narrativa Punto Aparte. Su gestora, la periodista Marcela Kupfer visitó LA JUGUERA para conversar acerca de este nuevo proyecto editorial que nace en Valparaíso dedicado exclusivamente a la publicación de cuentos y novelas de escritores nacionales.

Por Alejandra Delgado

“El objetivo de la editorial es crear lectores, dice Kupfer, lograr que esas obras que de pronto están en el computador de un escritor o en el cajón del velador impresas adquieran forma de libro y lleguen finalmente al lector”. Narrativa Punto Aparte arranca su catálogo con dos interesantes relatos de impecable factura: el libro de cuentos “Variaciones sobre la vida de Norman Bates” del escritor porteño C. Faúndez cuyo lanzamiento se realizó el pasado 9 de julio; y la novela “Niño feo”, del escritor capitalino Yuri Pérez, que será presentada próximamente.

El primero, inspirado en una vida paralela, la del psycho-killer propietario del Motel Bates convertido en un profesor que se gana la vida enseñando a los niños de una escuela a embalsamar pájaros y que intenta detener el proceso de descomposición del amor. 5 historias que, según Kupfer, tienen la dualidad de ser bellas y pavorosas al mismo tiempo, que hablan del amor pero no del amor de telenovelas si no de un amor que muchas veces, “te da miedo. Hay un tono inocente y tenebroso en estas historias”.

“Niño Feo”, por su parte es la “crónica personal de un niño que se siente siempre fuera de los márgenes, un excéntrico incomprendido”. Amante de la poesía francesa, la ruta vital de este desadaptado ser no será precisamente idílica.

LA FACTURA

Conceptualizados con la conjunción entre literatura y arte visual, los libros del Sello obtuvieron la colaboración espontánea de dos pintores locales para ilustrar sus portadas. En “Variaciones…”, la portada incluye un detalle de la obra “Bosque quemado” del destacado pintor Gonzalo Ilabaca. En “Niño feo”, la imagen es “Al filo de la navaja”, una aguatinta del artista Eduardo Mena.

“Queríamos hacer libros de calidad, que pudieran entrar a competir en el mercado de igual a igual, que contaran con una manufactura profesional, no ser el pariente pobre de las editoriales”, dijo Marcela.

El fin último: “que los textos alcancen el mayor esplendor que puedan tener en la corrección, en el diseño, en el pensar un concepto para la editorial”.

El libro de C. Fáundez ya puede ser adquirido en Valparaíso en Librería Ivens, Librería Crisis y en Galería de Arte Bahía Utópica. En Santiago está presente en librerías Metales Pesados, Qué Leo y TXT.

También cuentan con distribución a domicilio a través: editorial@narrativapuntoaparte.cl

Revive esta entrevista, escucha o descarga el podcast aquí:

Para la edición de hoy en Sonopronter de la Juguera escuchamos lo nuevo de M.I.A. llamado /\/\/\Y/\ (Maya):

01- The Message
02- xxxo
03- It iz wahat it iz
04- Born Free

M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS.

Escucha esta nueva edición de Sonopronter en La Juguera:

Hoy viernes en Caja de Pandora continuamos la revisión de discos 2009 a partir de las 22 horas en Radio Valentín Letelier.

M. Ward: For Beginners (Hold time, 2009)
Iran: Where i’m going     (Dissolver, 2009)
Jackie-O Motherfucker: Skylight     (Ballads of the revolution, 2009)
Jason Lytle: Rollin’ home alone     (Your truly, the commuter, 2009)
Nick Garrie: Lovers     (49 arlington gardens, 2009)
Tortoise: Gigantes     (Beacons of ancestorship, 2009)
The Low Frequency In Stereo:     Geordie la forge     (Futuro, 2009)
Flaming Lips: Convinced Of The Hex     (Embryonic, 2009)
Daniel Johnston:    Mind movies     (Is and Always Was, 2009)
Grizzly Bear:     Two weeks     (Veckatimest, 2009)
Devendra Banhart:     Maria lionza     (What will be, 2009)
Iron & Wine:     Love vigilantes     (Around the well, 2009)
Bohren Und Der Club Of Gore:     Mitleid lady     (Mitleid Lady EP, 2009)
Do Make Say Think:     Make     (The other truths, 2009)
Jim O’Rourke:     The visitor     (The visitor, 2009)

Vuelve a escuchar este programa:

Te adelantamos lo que escucharás hoy en caja de Pandora a partir de las 22 horas en el 97.3 fm, 94 am y en nuestra web

Bill Callahan: All thoughts are prey to some beasts (Sometimes i wish we were an eagle, 2009)
BLJ JKS: It’s In Every Thing You’ll See (Mystery EP, 2009)
Clark: Growls garden (Growls garden, 2009)
Bardo Pond: Karwan (Peri, 2009)
Current 93: Invocation of almost (Aleph at hallucinatory mountain, 2009)
Andrew Bird: Sectionate city     (Fitz and the dizzyspells (EP) (2009)
Casiotone For The Painfully Alone: Tom Justice, The Choir Boy Robber, Apprehended At Ace Hardware In Libertyville, IL (V.S Children, 2009)
Dakota Suite: All The Love I Had Was Not Enough (Elegi Remix) (The night just keeps coming in, 2009)
David Lynch: They go down (Fox bat strategy a tribute to dave jaurequi, 2009)
Bell Orchestra: Water – Lights – Shifts (As seen through windows, 2009)
Elvis Perkins In Dearland: Shampoo (Elvis perkins in dearland, 2009)
Aidan Moffat & The Best Off: Atheist’s Lament (How to get to heaven from scotland, 2009)
Commander Cody:    Last Call For Alcohol (Dopers, drunks and everyday losers, 2009)
Dent May & His Magnificent Ukelele: I’m An Alcoholic (The good feeling music of dent may & his… 2009)
Atlas Sound: The Light That Failed (Logos, 2009)
Danielle Ate the Sandwich: Things We Have in Common (Things people do, 2009)
David Tagg: Picked In Air (Wind Blown Guitar, 2009)
Expo 70: Mantra in white ohms (White ohms, 2009)
Fink: Sort of revolution     (Sort of revolution, 2009)
Extra Golden: Gimakiny akia (Thank you very quickly, 2009)

Vuelve a escuchar este programa:

Pascuala Ilabaca, una de las voces más destacadas de la generación del nu folk, conversó extensamente sobre su segunda producción 2010, “Diablo Rojo, Diablo Verde”, estrenando varios temas exclusivamente en Rockceanbía. En esta nueva placa, Pascuala deja las enseñanazas de los sonidos de la India, para entregar una personal colección de canciones de raíz, las que fueron registradas junto a conocidos músicos de la Quinta Región.

Escucha la conversación de Pascuala Ilabaca y Jaime Frez en Rockceanía:

“Record Club” es la reunión de músicos que graban un disco en un día. Con Beck a la cabeza y esta vez acompañado la banda Liars, St. Vincent y Sergio Dias (guitarrista de Os Mutantes) en su cuarta entrega revisan el clásico disco de los australianos INXS “Kick” (1987). En Caja de Pandora te mostramos algunas tomas de este disco:

> Beck – New Sensation (Record Club, 2010)

> Beck – Devil Inside (Record Club, 2010)

> Beck – Never Tear Us Apart (Record Club, 2010)

> Beck – Mistify (Record Club, 2010)

> Beck – Need you Tonight (Record Club, 2010)

> Beck – Guns in the Sky (Record Club, 2010)

> Beck – Wild Life (Record Club, 2010)

> Beck – Mediate (Record Club, 2010)

Participa por los concursos semanales de La Juguera en los que regalamos discos, libros, entradas a actividades culturales y mucho más!

fo gelido Recibidos X Responder | Natalia Muñoz Reinoso para usuario mostrar detalles 14:56 (1 minuto antes) regalaremos disco nuevo de la Banda Porteña Gélido “En Algún Lugar”. – Natalia Muñoz Reinoso. Administrador en Turismo y Cultura. Gestión Cultural y Asesoría en Proyectos. Radio Valentín Letelier 97.3 FM. Coordinadora Centro de Gestión de Proyectos, Carrera Gestión en Turismo y Cultura Universidad de Valparaíso. Responder Reenviar Responder a Natalia mediante chat

Te invitamos a escuchar los discos 2010 que sonaron en Caja de Pandora durante la semana:

> Blixa Bargeld y Alva Noto: “I Wish I Was a Mole in the Ground ” incluído en el disco “Ret Marut Handshake” (2010)

Dirty Projectors & Bjôrk – When the World Comes to an End (Mount wittenberg orca)
The Harvey Girls – A Letter to the Bees (I’ve been watching a lot of horror movies lately)
The Books – Thirty incoming (The way out)
ANBB (Alva Noto And Blixa_Bargeld) – One (Ret Marut Handshake)
Julian Lynch – Just enough (Mare)
Yawning Man – Sand whip (Nomadic pursuits)
The Innocence Mission – Rain (My room in the trees)
The Head and the Heart – Ghosts (The head and the heart)
The Colourful Quiet – Blanket Statements (Screams)
Admiral Radley – I heart california (I heart california)
The Boat People - Under the ocean (Dear darkly)
Computer v/s Banjo – Alchemy junkies (Riverboat swing)
Radical Face – Welcome Home (Touch The Sky EP Version)
Invisible Elephant – Communication, Part II (The light goes out)
The Boats – The book is red (Ex. 27th october 1950)
For A Minor Reflection – Atta (Höldum í átt að óreiðu)
Marc Codsi – Faded Postcard1 (Faded postcards)
Thisquitearmy – The Hierarchy Of Angels (Aftermath)
Prince Rama – Thunderdrums (Shadow temple)
John Zorn – Enchantress (The goddess music for ancient days)
Joe Acheson Quartet – Out of nowhere (Tired & awake)

Vuelve a escuchar el resumen Caja de Pandora de esta semana:

Joe Vasconcellos conversó con Rockceanía sobre su gira de invierno, la que arribará a Viña del Mar el próximo 17 de Julio. Al cumplir 50 años, Joe se embarcó en un ambicioso proyecto independiente, que incluye un cedé de grandes éxitos, otro en vivo y un DVD en directo, todos bajo el nombre de “Mágico”, al igual que su recordado tema.

> Joe Vasconcellos interpretando “Mágico” en la Sala Master, Radio Universidad de Chile (6/11/2009)

Es precisamente este material el que está presentando en este tour que llegará hasta localidades del sur. Por supuesto, Joe no dejó de opinar también del actual movimiento de cantoautores, su búsqueda de la identidad en los sonidos, y la sanación y continuidad de nuestra música de raíz a través del llamado nu folk.

Vuelve a escuchar la entrevista de René Cevasco a Joe Vasconcellos en Rockceanía:

por Pablo Díaz y Jorge Rosenthal

El escenario

A pesar de la reciente crisis financiera mundial y sus todavía poco estudiadas consecuencias, todo indica que a mediano y largo plazo la economía del globo continuará en un camino de expansión y complejización acelerado. Sin embargo, esta senda de crecimiento hasta el momento no ha tenido impacto significativo en la democratización de los altos estándares de vida que esta dinámica ya ha producido en ciertas zonas, algunas históricamente privilegiadas y otras no tanto. A modo de muestra, para 86 de los 144 países en vías de desarrollo, las materias primas aún representan más de la mitad de las ganancias por concepto de exportación.

¿Cómo promover un proceso de desarrollo sustentable e incluyente para países, ciudades o territorios con diferentes identidades culturales, aspiraciones económicas, desigualdades sociales y desventajas tecnológicas? Todo indica que los modelos económicos hasta ahora hegemónicos, generalmente puristas y lineales para observar los procesos culturales y su enorme diversidad, tendrán que mudar a modelos más integrales, con políticas multidisplinarias a nivel territorial, nacional e internacional, como herramientas para abordar las realidades que esta nueva globalización y sus extraordinarios procesos de conectividad está generando alrededor del mundo.

Estos cambios que no son otra cosa que profundas modificaciones en nuestra forma de vivir, imponen la necesidad de construir nuevos enfoques y lecturas que nos permitan comprender mejor las interacciones entre las dimensiones económica, cultural y tecnológica, que son las que guiarán la dinámica del desarrollo económico y la manera de estar en el mundo durante el siglo 21.

Economía creativa, el nuevo paradigma.

Para este contexto donde la sinergia entre cultura, economía y tecnología adquiere una importancia estratégica, está emergiendo un nuevo paradigma cuyo eje se está alineando cada vez con mayor consenso alrededor de la creatividad, el conocimiento y el acceso a la información, reconociéndoles un papel privilegiado como motores del crecimiento económico y de la promoción del desarrollo en un mundo que se globaliza. Si en el periodo feudal el eje estaba puesto en la tenencia de la tierra y en la industrialización lo importante eran los materiales para la producción, en nuestra época se ha producido un desplazamiento que ubica en el centro de la producción al “concepto” detrás de la producción. Esta centralidad de lo “intangible” y especialmente de la “creatividad” como la capacidad de formular nuevas ideas y distribuir capital intelectual, está demostrando su potencial para generar ingresos, empleo y ganancias por exportación, y a la vez promover la inclusión social, la diversidad cultural y el desarrollo humano. La UNESCO ofrece en este sentido unas cifras muy significativas: El comercio internacional de objetos culturales se ha multiplicado por cinco entre 1980 y 1998, y se prevé un crecimiento del sector creativo del orden del 10% anual, 4 veces más que el sector manufactura.

Una economía de la riqueza

La creatividad es radicalmente democrática, se encuentra en todas las sociedades y países, ricos y pobres, grandes y pequeños, avanzados y en vías de desarrollo. Es una característica inherente al individuo ser imaginativo y expresar ideas. Asociadas con el conocimiento, estas ideas son la esencia del capital intelectual. Por otro lado, a diferencia de lo que sucede con los bienes tangibles, la creatividad, las ideas, los conocimientos, la información no se agotan por su uso, por el contrario, mientras más se comparten, su potencial creador de nuevos bienes creativos aumenta. Así también, cada sociedad tiene un capital cultural intangible articulado por la identidad y los valores de un pueblo que constituye una matriz de recursos que puede ser aprovechada. Estas características, que la economía creativa pone en valor como componentes de un nueva dinámica económica, hacen pensar que la economía creativa puede convertirse en una alternativa factible para que los países en vías de desarrollo puedan ingresar a las áreas de alto crecimiento de la economía mundial, al mismo tiempo que protegen, fortalecen y diversifican su patrimonio cultural.

No existe, de todas maneras, una única definición de economía creativa, ni un consenso sobre el conjunto de conocimientos y actividades económicas sobre las cuales se basa. Para algunos la “economía creativa” es más bien un concepto integral que trata sobre las complejas interacciones entre la cultura, la economía y la tecnología en el mundo contemporáneo globalizado, el cual está dominado por símbolos, textos, sonidos e imágenes. Es, en definitiva, un paradigma que se encuentra en evolución, que está forjando sus alcances y estrategias, especialmente en lo que a políticas públicas se refiere, pero que sin lugar a dudas se ha instalado firmemente en la agenda de la economía y del desarrollo internacional y está demostrando con cifras sorprendentes su capacidad de generar riqueza, al mismo tiempo que opone alternativas sustentables a los procesos de homogeneización cultural que también acompañan la globalización.

Si te interesó este tema, puedes continuar leyendo en el blog de Industrias Creativas.

Pablo Díaz es psicólogo y Jorge Rosenthal es ingeniero civil industrial y desde el año 2008 coordinan el trabajo del Programa Industrias Creativas Valparaíso de CORFO, el que busca contribuir al desarrollo y sustentabilidad del sector creativo de la ciudad puerto. Los puedes visitar en industriascreativas.cl y escucharlos todos los miércoles y viernes a partir de las 18:30 en radio Valentín Letelier y también en nuestros podcasts.

Por Natalia Muñoz Reinoso.

En un año de conmemoraciones por el Bicentenario, Valparaíso acaparará todas las miradas cuando se de inicio al III Forum Universal de las Culturas este 22 de octubre, acontecimiento cultural más importante a nivel internacional.

Durante cuarenta y cuatro días la ciudad anfiteatro pondrá a disposición sus plazas, miradores, paseos, universidades, espacios públicos y privados en general, con la intención de desarrollar diferentes espectáculos y reuniones de carácter nacional e internacional que forman parte de la programación que tiene como sello el diálogo, el intercambio cultural y la toma de conciencia para la futura construcción de la cohesión social.

EXPERIENCIAS ANTERIORES.

En las dos versiones anteriores, Barcelona (2004) y Monterrey (2007), el Forum propuso defender la cultura de la paz, la diversidad cultural y por sobretodo promover el progreso sostenible de cada ciudad sede como modelos de gestión y polos de desarrollo.

TEMÁTICAS FORUM.

El tercer Forum Universal de las Culturas, Valparaíso 2010 contará con tres ejes temáticos que consistirán en fomentar la cultura, promover el desarrollo sostenible en un mundo globalizado y desarrollar las condiciones para la paz y la convivencia a nivel local y global. De acuerdo a como se ha establecido este acontecimiento, podríamos pensar que será el escenario apto para el debate y la expresión de diferentes puntos de vista que permitirían desarrollar una red de cooperación intercultural en pos de la construcción de un trabajo asociativo que fomente la participación ciudadana.

A partir de los ejes mencionados anteriormente, Valparaíso establecerá sus propias temáticas las que han sido planteadas como: cultura y desarrollo, la ciudad y el mar y memoria histórica de Valparaíso; reconociendo así la realidad local, su identidad, su condición de ciudad puerto y su vinculación marítima, como ciudad anfiteatro que mira al mar.

El desafío será establecer a propósito de estas temáticas, las proyecciones de la ciudad hacia un futuro deseable. Según palabras del secretario ejecutivo del Forum, Carlos Briceño, “cambiará no sólo la imagen de Valparaíso, sino también reafirmará el compromiso de la ciudad puerto como Patrimonio de la Humanidad con la UNESCO, además de coincidir con los festejos del Bicentenario de nuestro país”.

Ahora bien, en un contexto más local, ¿para qué servirá este Forum? Será la oportunidad propicia para que, existiendo voluntad, políticos, agentes culturales y el ciudadano común establezcan líneas de trabajo, que converjan en programas de desarrollo para la ciudad y el país.

Como parte del legado de este acontecimiento mundial, es dejar a las ciudades sedes en la mira del quehacer cultural. Por tanto será para Valparaíso la oportunidad de darse a conocer internacionalmente y de presentarse al mundo como ciudad con vocación cultural.

El desafío está planteado y se está trabajando para que en octubre, Chile y la región estén en los ojos del mundo como escenario protagonista del diálogo, la cultura y la construcción colectiva de cómo soñamos el mañana.

Presentamos uno de los discos debuts más esperados del 2010: “The Drums” y su disco homónimo. Te invitamos a descubrir esta banda en el Sonopronter de La Juguera.

Los temas que escuchamos son:

01. Best Friend
02. Let’s Go Surfing
03. Forever & Ever Amen

Visita a “The Drums” en su Myspace o en su sitio oficial

Escucha esta nueva edición de Sonopronter en La Juguera:

Esta semana en Sonopronter de La Juguera somos testigos del retorno discográfico de una de las bandas más legendarias del pop: Devo quienes lanzan este 15 de julio su primer álbum con nuevas canciones luego de 20 años. “Something for Everybody” es el nombre del disco que revisamos a continuación.

Temas de esta edición:

01 Fresh
02 Step Up
03 Don’t Shoot (i’m a man)

Escucha esta edición de Sonopronter en La Juguera:

Continuando con las “suites” antiguas, nada mas obvio que revisar la “VALENTINE SUITE”, publicada por el grupo “Coloseum” en 1969.
“Valentine Suite” es el segundo álbum de esta banda británica de corta vida (tres discos de estudio en dos años: 1969-70)

El sonido de “COLOSSEUM” se caracteriza porque, además de incluir el teclado, que será el gran aporte del rock progresivo, incluye saxo, qie le da un aire jazzístico.
En “Valentine Suite” sobresale en trabajo de el teclado y (claro) el saxo.

La formación:
Dave Greenslade: Organo Hammond, Vibráfono
Dick Heckstall-Smith: Saxo
Jon Hiseman: Batería
James Litherland: Guitarras, Canto
Tony Reeves: Bajo

Los Temas:
“The Kettle” (Heckstall-Smith/Hiseman) – 4:28
“Elegy” (Litherland) – 3:13

“Butty’s Blues” (Litherland) – 6:45
“The Machine Demands a Sacrifice” (Litherland/Heckstall-Smith/Brown/Hiseman) – 3:54

“Valentyne Suite Theme One: January’s Search” (Greenslade/Hiseman) – 6:20
“Valentyne Suite Theme Two: February’s Valentyne” (Greenslade/Hiseman) – 3:36
“Valentyne Suite Theme Three: The Grass Is Always Greener” (Heckstall-Smith/Hiseman) – 6:57

En esta edición de Sonopronter en La Juguera revisamos parte del nuevo EP en vivo de Pixies “Doolittle 20th Anniversary Live Sampler”, celebrando los 20 años de la edición del clásico disco “Doolittle” y además anticipando lo que será su primera presentación en nuestras tierras el próximo 9 de Octubre.

Los temas que escuchamos son:
01 Dancing The Manta Ray
02 Monkey Gone To Heaven
03 Crackity Jones
04 Gouge Away

Escucha esta edición de Sonpronter en la Juguera:

Este mes nos ocuparemos de revisar algunos discos de rock, que marcan el comienzo de la idea de ocupar todo un lado de un vinilo con una “suite” musical. Hoy es frecuente encontrar, al menos en el rock elaborado, temas que duran mucho tiempo (hace unos meses revisamos “The Incident” de Porcupine Tree, que dura 75 minutos), pero en el mundo de la música grabada, el problema ha sido, por años, la capacidad del “vehículo” (entiendase el objeto físico que ha sido el disco) de contener información. Una vez superada la barrera de los 2 minutos establecida por el disco single, los grupos se encontraron con la del L.P. que permitía poner 20 minutos por cada lado del vinilo. De allí el hecho de que , durante décadas, las “suites” de rock duraran aproximadamente esa cantidad de minutos (con la excepcion de “Karn Evil 9″ de emerson Lake & palmer, que dura 30 y “Thick As A Brick” de Jethro Tull que dura 44:00 al utilizar ambos lados del vinilo).

Pero hablaremos de como empezo todo esto.

Al comienzo, luego de los álbums conceptuales surgió el tema alargado y sólo entonces el concepto de una obra que incluya varios temas relacionados (lo que estoy llamando “suite”, adaptando el nombre dado por la musica docta a este modo de compisicion).

Lo mas viejo que uno puede encontrar al respecto es “In Held Twas In I”, incluido en “SHINE ON BRIGTLY” el segundo L.P. de “Procol Harum”, publicado en 1968.

“PROCOL HARUM” se formó en 1967 y ese mismo año logró éxito con el tema “A Brighter Shade Of Pale”, tema en que resaltan el trabajo de teclados y la letra. Estos dos son las principales caracteristicas del grupo: utilizar simultaneamente un piano y un organo (en un momento en que se empezó a utilizar teclados en el rock, Procol Harum tenia dos tecladistas) y un integrante del grupo que se dedicaba exclusivamente a escribir las letras. Estos dos elementos son escenciales al momento de observar el trabajo de el segundo L.P. del grupo.

“Shine on Brightly”, incluye, en el “lado A”, una colección de temas cortos, los que bien podrían considerarse parte de un álbum pop cualquiera. Sin embargo, el “lado B”, está prácticamente entero ocupado por una obra que dura 17 minutos y medio, cuyo nombre: “In Held ‘Twas In I” no tiene significado porque es un acrónimo, fruto de utilizar las palabras iniciales de cada una de sus partes:

IN the darkness of the night +

HELD close by that +

‘TWAS Tea-time at the Circus +

IN the Autumn of My Madness +

I know if I’d been wiser.

Esta obra es considerada el punto de partida de las suites que se hicieran tremendamente comunes a comienzo de los setentas.

La formación:

Gary Brooker: piano y canto

Matthew Fisher: organo

Robin Trower: guitarra

Dave Knights: bajo

B.J. Wilson: batería

Keith Reid: letras

LOS TEMAS:

“Quite Rightly So” – 3:40

“Shine on Brightly’” – 3:32

“Skip Softly (My Moonbeams)” – 3:47

“Wish Me Well” – 3:18

“Rambling On” – 4:31

“Magdalene (My Regal Zonophone)” – 2:50

“In Held ‘Twas in I”: – 17:31

1.”Glimpses of Nirvana”

2.”‘Twas Teatime at the Circus”

3.”In The Autumn of My Madness”

4.”Look to Your Soul”

5.”Grand Finale”

Escucha la emisión de Larga Vida al Rock del 5 de junio:

Se declara contento con la experiencia “Missing”. Al escritor y cineasta Alberto Fuguet su última novela le ha traido positivas críticas y la sorpresa de encontrarse con otros que también están buscando un familiar. “Yo sentí que era totalmente legitimo usar mi voz y revelar cosas personales porque no era un acto de exhibicionismo sino de compartir una historia que podía servir a los otros y esa es la mayor felicidad que yo he tenido con este libro”, contó Fuguet en el programa La Juguera durante su visita a Valparaíso donde participó en las actividades de celebración del Día del Libro.

Por Alejandra Delgado

“Missing” cuenta la historia de su tío Carlos Fuguet, quien un día en la vida opta por escapar de una familia disfuncional y se disgrega  en una existencia nómada en Estados Unidos. Pero también es la historia de la obsesión del escritor por encontrarlo.
La duda del libro es -dijo Fuguet a La Juguera- ¿Porqué alguien se pierde, porqué toma la decisión de mandar todo a la cresta, qué hace uno “muerto” durante 30 años?.
A su tío finalmente lo encuentra y con esto no estamos contando el final de la película porque “Missing” termina tocando temas que van mucho más allá de la trama y su descenlace: la compleja dinámica de las relaciones familiares, sus fijaciones como escritor, la soledad y el vértigo ser un inmigrante en los Estados Unidos.
“En un momento, yo no quería hacer el libro por todas estas dudas y por si valía la pena escribir un libro en primera persona. También sentía que Carlos era más entretenido como obsesión que como ser humano de verdad. Al final era un señor mayor que no tenía mucho mundo. El nunca estuvo perdido para él porque siempre supo donde estaban las calles, el norte y el sur. Hoy es un señor con diabetes y no es un rockero. No lo admiro como cuando yo era adolescente. Lo que admiro realmente de su decisión -y está pagando las consecuencias y la está pagando dura con una vida muy precaria-  es que él no quiso hundir al resto de la familia en su proceso de vivir una vida que estaba al margen de la ley. Carlos quería seguir viviendo como él era y eso provocaba rabia, dolor, enojo y decepción en los suyos. A él le pareció que era más sano desaparecer y vivir su vida en vez de estar en esta batalla constante con su familia. Y me parece que es una opción que mucha gente debería tomar”, reflexiona Fuguet.

¿Y qué hay del pudor cuando se cuenta una historia tan íntima y en primera persona?. Después de todo en “Mala Onda” (novela de 1993 que lo hizo conocido), las obsesiones de autor eran las mismas, sólo que el hablante era un tercero (Matías Vicuña). “A lo mejor estoy camuflado en “Missing” y mi voz en “Mala Onda” es absolutamente verdad”, responde raudo. “No sentí pudor”, reconoce. “Una cosa es mostrarse y otra es exhibirse. Exhibirse es casi una perversidad y yo no ando con impermeable por los liceos de niñas. Me parece que ser exhibicionista es una cosa y ser sincero, honesto o contar tu propia voz, otra. No hay que tenerle miedo”.

Además de las buenas críticas, “Missing” trajo otras satisfacciones consigo: el tío perdido/encontrado quedó contento con el texto, con la identidad que adquiere en sus pàginas (”cualquier persona que es portada de un libro queda contenta”), la conflictiva relación de Fuguet con su padre se recompuso y por si fuera poco, muchas personas llenaron su buzón de entrada del correo electrónico para hablarle de sus propios desaparecidos.
“Siento que valió la pena contar la historia de Carlos porque hay mucha gente que sí tiene ganas de perderse y que está perdida; y hay muchas familias que se hacen las que funcionan y no funcionan. Yo estaba muy impresionando por el hecho de que mi propia familia no estaba interesada en buscar a mi tío”.

Velódromo­­­

“Velódromo”, su segundo largometraje estrenado en la reciente versión del Buenos Aires Festival de Cine Independiente BAFICI, tiene un tono y Fuguet así lo define: “La frase del afiche muestra el leiv motiv de la película, alguien que no quiere tener tanto”. Ese es Ariel Roth, interpretado por el actor Carlos Cerda. “Yo me niego a creer el discurso que está en la tele y en los diarios, ese que dice que todos los chilenos estamos adictos al mall, que todos los chilenos tenemos  tarjetas de créditos reventadas, que todo el mundo está en una carrera por tener más, más, más. Esta es la historia de un tipo que sólo quiere tener menos, menos, y menos; que no quiere trabajar, que su bicicleta es suficiente como medio de transporte. La historia de un tipo que considera que trabajar es muy peligroso porque trabajar en cosas que no te gustan te daña. Lo que quiere tener es tiempo para ser libre, para leer, para ver películas”.
Esta comedia existencial santiaguina -como se presenta- se convierte así en una película  anti sistémica pero poética “porque no llama a tirar piedras”, donde el mensaje es: “cada uno tiene que tener su propio velódromo, saber qué es lo que le hace feliz”.

Escucha el podcast con la entrevista completa:

Terminado el mes de abril tenemos un último clásico entre los vinilos setenteros que ocupan un lado completo en una sola obra en forma de “suite”.

“FOXTROT”, del grupo Genesis, en la época que ellos hacían parte del mejor rock progresivo.

Formado en 1967, por Peter Gabriel (cantante y flautista) y Tony Banks (tecladista), alumnos del “Charterhouse School”, mas algunos amigos, entre los que sobresale Mike Rutherford (bajista). La época de oro, a partir de 1970, surge de la inclusión de Steve Hacket (Guitarrista) y Phil Collins (baterista). En esta época “GENESIS” edita sus discos clásicos, los mejor evaluados desde la óptica progresiva.

Luego de “Nursery Crime” (1971), Gabriel y compañía trabajaron duramente, este disco es mucho más elaborado y logra ser más “parejo” que el anterior.

“Foxtrot” contiene varios de los “clásicos” por excelencia de Genesis e incluye la introducción mas típicamente progresiva de la historia.

Integrantes:

Peter Gabriel: canto, flauta, oboe, percusión.

Steve Hackett: guitarras (eléctricas y acústicas.

Tony Banks: órgano, pianos acústicos y electricos, mellotron.

Mike Rutherford: bajo, cello.

Phil Collins: batería, percusión, canto.

Los temas:

“Watcher of the Skies” (7:23)

La larga introducción en “melotrón” ha sido repetidamente descrita como “la escencia del sonido del rock progresivo”. Es un trabajo hermosísimo de Banks, en el que muestra diversas facetas, desde las más suaves a las más intensas y ocupa un tercio de la duración del tema. Lugo Gabriel entra contándonos un cuento de ciencia ficción, acerca de un extraterrestre que observa al género humano desde el espacio (de allí el nombre de la canción). Musicalmene, el trabajo de guitarra, bajo y batería son el complemento ideal del teclado y canto. Una verdadera obra de arte. La coda merece un comentario especial dada su longitud y elaboración.

“Time Table” (4:45)

Una vez más el teclado, esta vez el piano, hace la introducción, pero Gabriel comenza a cantar muy pronto contándonos “la historia de una mesa”, o más bien diciéndonos que “la mesa cuenta historias”, en el ambiente de leyenda que al grupo le gusta darle a sus canciones.

“Get ‘Em Out by Friday” (8:36)

Otro clásico de Genesis, esta vez un cuento futurista de una época en que el gobierno desalojará a la gente de sus casas para “modernizar” la ciudad (como se ha hecho después de Shanghai), llegando incluso a limitar la estatura, para economizar materiales de construcción. Gabriel va asumienndo el rol de los diversos personajes, y vamos escuchando sus declaraciones, sin la necesidad de un “narrador”.

“Can-Utility and the Coastliners” (5:44)

Basada en la guitarra, es un tema plácido que cierra agradablemente el “lado A” del vinilo. El desarrollo del tema respeta el más clásico formato del rock progresivo de ir desde lo mas suave a lo más intenso de modo paulatino, los solos alternados de teclado y guitarra sirven notablemente a ese objetivo.

“Horizons” (1:41)

Un breve solo de guitarra acústica sirve de introducción al postre (o la cena). la sonoridad barroca, será característica de muchas de las piezas acústicas de Hackett a lo largo de los años. Horizons es probablemente el tema que más tiempo ha acompañado a Hackett.

“Supper’s Ready” (22:58)

Incluye: I. “Lover’s Leap”; II. “The Guaranteed Eternal Sanctuary Man”; III. “Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men”; IV. “How Dare I Be So Beautiful?”; V. “Willow Farm”; VI. “Apocalypse in 9/8 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet)”; VII. “As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men’s Feet)”

El “épico” por excelencia. Gabriel y Collins comienzan directamene el canto con una suave guitarra acústica de fondo, y nos describen una tranquila relacion de pareja al atardecer. Allí comianza un largo periplo, por diversas sonoridades y temáticas, ya que pronto la letra se llena de alusiones míticas y tradicionales. Primero es el teclado en que suma a la guitarra (a los dos minutos ) y el grupo se suma sólo dos minutos y medio mas tarde, cuando entramos a la segunda parte de la “suite” y Gabriel canta alusiones religioso-místicas; el rítmo es aún lento y el cambio vendrá solo al ingresar a la parte tres, donde la batería marca duramente el “tempo”, y la guitarra eléctrica de Hacket ya se distorsiona notable y bellamente. El cuarto tema surge luego de un corte (9.30. min) y es notablemente mas tranquilo, a esta altura las aluciones se hace míticas y Gabriel nos habla de como narciso se transforma en flor (imagen que dió pie a uno de los disfraces más llamativos que usara en el escenario). Entonces (min 11:00) entramos en el quinto tema que tiene un ritmo extraño, que alguien podría considerar ridículo y que se extiende largamente. Al minuito 11:00 un nuevo cambio nos lleva a una flauta que presente una dulce melodía que no es más que la introducción para el “apocalipsis de 9/8″, que es exactamene eso. La entrada del demonio (otro disfraz de antología) a un ritmo genial, con virtuosos solos de teclados (raros para la época), en relidad todo el grupo demuesta que se mueve con soltura en métricas raras, incluso Gabriel canta sin dificultad (intenten seguir el ritmo y coincidir con Collins al golpear los platillos y verán que no es facil). Finalmene a los 20:30 todo regresa al tema inicial para cerrar esta obra considerada por muchos años el trozo musical favorito de los estudiantes universitarios británicos.

A nadie en Chile le debe sonar el nombre de Bernard Coutaz. Yo no supe de él, sino hace pocos años a través de internet. Lo increíble entonces, fue descubrir que Coutaz era el cerebro responsable de Harmonia Mundi, la discográfica francesa que desde mi temprana adolescencia, me guiara por los senderos de las músicas pretéritas, cultivando sabiamente el gusto y la curiosidad de una nueva generación de melómanos.
Ni siquiera estaba seducido por el rock, cuando un universo de sonidos e ideas se abrieron dentro de mis oídos, gracias a la serie de los “Carmina Burana” auténticos restituidos a la vida con toda la irreverencia goliarda, de la interpretación ya clásica de René Clemencic y su Consort.
Desde aquella epifanía que me hablaba desde el medioevo, la etiqueta negra con la espiral de una extinta amonita primigenia y perfecta, se transformó en el sello que marcaría hasta hoy, mis búsquedas y descubrimientos a través de los laberintos del pasado musical de Occidente…
Coutaz nos dejó a los 87 años, el pasado 26 de febrero, allá en Arles, mediodía francés. Tras comenzar en las letras a través del periodismo, en 1958 fundó Harmonia Mundi junto a un grupo de socios amigos. La idea era simple. Viajar a lo largo de la senda de los viejos órganos de Francia y España en una Citrola, con la mesa de sonido y los micrófonos atrás, y a un lado, el intérprete elegido. Grabar un repertorio ad hoc al currículum del instrumento y vender los discos previa subscripción, eran el resto del plan.
Básicamente nuestro amigo fue un visionario que aplicó los criterios de independencia ya explorados dentro del mercado de la música popular, al campo docto y en especial al de la hoy triunfal música antigua. Además, las ganancias siempre serían invertidas en nuevas producciones, asumiendo el riesgo económico frente a estos terrenos sonoros por revelar a través de las ediciones más exitosas.
La apuesta de Coutaz, se concretó finalmente en una regada jornada junto al contratenor británico Alfred Deller. Fue así, en 1968 y en el contexto de Saint Michel de Provenza, la tierra de cátaros y trovadores, y lugar donde se afincó la empresa; como la casa franca logró el contrato determinante que la proyectó internacionalmente, llamando la atención de la publicaciones más prestigiosas y un séquito de leales seguidores ávidos de novedades ignoradas por las transnacionales.
Ya para los 80’s, y en el auge del vinilo, Coutaz alcanzó la plenitud de un catálogo que comprendía al Deller Consort, con su inolvidable serie de 8 volúmenes dedicada al canto gregoriano interpretado con un enfoque historicista desde sus fuentes, entre otras producciones. René Clemencic fue otro gran aporte con la mencionada colección de 5 placas con suma de la obra goliarda contenida en los “Carmina Burana”, además de entregas fascinantes como “Trovadores”, “Las Cántigas de Santa María” y “La Fiesta del Asno”.

Una visión certera

Pero el acierto mayor de Harmonia Mundi, fue la triada de grandes directores del repertorio barroco, quienes enfrentaron el liderazgo de británicos, alemanes y austriacos en este campo, aportando recreaciones frescas, coherentes y vivaces. Con el musicólogo norteamericano William Christie y sus Arts Florissants, asistimos a la restitución de los grandes nombres franceses ligados a su legendaria casa real, abarcando desde la música de cámara al gran drama lírico de la corte de Rey Sol.
Por otra parte junto al contratenor belga René Jacobs, asistimos a una experiencia en desarrollo permanente con el rescate de un repertorio ignorado dentro de la ópera desde Monteverdi a Mozart, en un concepto que da nuevas luces sobre el “recitar cantando” y su difusión como referente cultural paneuropeo en el siglo XVII y XVIII.
Finalmente el siquiatra y también director belga, Philippe Herreweghe, ha trazado un singular camino que abarca desde fines del Renacimiento hasta el Mahler y Schoenberg de principios del siglo XX, y encontrando su plenitud en sus refinadas y reflexivas lecturas sobre J S Bach y su cuerpo de oratorios, misas y cantatas alabadas por la crítica especializada.
Pero la visión de Coutaz, no se quedó sólo en la creación y desarrollo de un sello más rentable que el gigante EMI Classical, por dar un ejemplo actual, sino que ampliar su oferta a través de la distribución de otras discográficas independientes, como doctas, de World Music o de jazz (entre las que se encuentra 7th Records asociada a Magma). A ello se sumaron también los libros que hoy facturan el 40 % de la compañía, y la comercialización directa a través de una cincuentena de boutiques instaladas en diversas ciudades del Viejo Mundo.
Es entonces Bernard Coutaz, una visión certera, una forma de concebir a la música, como un concepto total de alto refinamiento estético, y en donde compañía, artista, obra, registro y diseño del producto se conjugan en el alambique de la perfección, con la independencia creativa como el estandarte fundamental de la empresa. Sea entonces a usted signour Coutaz, nuestro agradecimiento y admiración desde esta tierra del final del mundo.

- Los registros medievales y renacentistas editados por Harmonia Mundi, son la columna vertebral de “Ecos Milenarios de Occidente”, programa especializado de radio Valentín Letelier en tales repertorios. Domingos, 2 pm.

Un paso más en la revisión de discos clave que incluyen en un lado del vinilo una larga “suite” es este programa dedicado a “ATOM HEART MOTHER”, publicado en 1970 por la banda que aún se llamaba “The Pink Floyd” (A fines de los 60’s los grupos abandonaron el “The”, a instancias de los progresivos).

Luego de decidir abandonar la psicodelia, PINK FLOYD se hallaba en plena búsqueda de caminos y como fruto de ello incursiona en trabajos con orquesta y coro más músicos doctos. “Atom Heart Mother” es parte de esa búsqueda.
Desde el aspecto formal, AHM repite el modelo de “Ummagumma”, en la que por un lado el grupo toca junto y luego cada uno puede “jugar” con las sonoridades que quiere, sólo que aquí en vez de repartir esto del “dos vinilos” lo hacen en los “dos lados” del vinilo.

Una de las características que hacen “especial” este disco es que fue grabado en “cuadrofonía”, sistema que requería tener cuatro parlantes , uno en cada esquina de la habitación, para escucharlo adecuadamente, es el equivalente a tener hoy un disco 5.1.

El grupo:
David Gilmour: guitarras; (bajo, batería), canto en “Fat Old Sun”
Nick Mason: Batería, percusión, edicion de cintas en “Alan’s Psychedelic Breakfast”
Roger Waters: bajo, guitarra acoustica y canto en “If”.
Richard Wright: Teclados, piano, orchestacion, canto en”Summer ‘68″
+
Orquesta “Session Pops” del estudio Abbey Road
John Alldis Choir: canto
Philip Jones Brass Ensemble: bronces.

Los temas:
“Atom Heart Mother” Gilmour, Waters, Wright, Mason, Ron Geesin 23:44
El “Lado A”, esta ocupado integramente por este experimento que es (a ratos)básicamente “orquesta con acompañamiento de grupo” (al revés de lo usual; grupo con acompañamiento de orquesta).
a) Father’s shout.
Luego de una introducción en que ni la melodía ni la tonalidad están claras, la orquesta presenta el intenso tema central, interrumpido por el sonido de una moto y unos caballos trabajados como música concreta, más que como efectos de sonido. Un segundo tema a cargo del cello, con los teclados de Wright de fondo, nos lleva a un ambiente más plácido. Finalmente la orquesta retoma el tema y lo desarrolla con la guitarra jugando sobre ella.
b) Breast Milky: Sobre suaves acordes de teclado, el coro presenta un nuevo tema, menos estrucurado que los anteriores y lo va desarrollando.
c) Mother fore: Un nuevo interludio de teclado nos lleva a un solo de guitarra al que se suma el coro con intervenciones cada vez más violentas.
d) Funky Dung: Esta vez es la orquesta que nos lleva de regreso al tema inicial y deja a los teclados en un juego de música experimental cuyo estruendo se apaga de pronto.
e) Mind your Throats Please: Poco a poco la música reaparece, trayendo trozos melódicos tanto de los bronces como del coro, en un ambiente violento que poco a poco recupera la estructura original
f) Remergence: Finalmente la melodía se recompone y la orquesta la desarrolla y lleva al cierre, en una atmósfera en que la guitarra juega una vez más sobre todo lo anterior, pero en que la que la figura central son los bronces.
“Lado B”
“If” (Waters, 4:31): El “lado b” se abre con una canción simple cantada y tocada en guitarra acústica por Roger Waters.

“Summer ‘68″ (Wright, 5:29): Quizá el trozo mejor logrado, un tema que utiliza al grupo y a la orquesta para generar una atmósfera grata y de alta elaboración para los 5 minutos que se le adjudican. El trozo cantado está muy bien y podríamos decir que Wright se luce si lo dejan solo, el “Middle Eight” marca un quiebre de tranquilidad y los bronces “relucen” con una fantástica melodía.

“Fat Old Sun” (Gilmour, 5:22): Otra canción simple, esta vez a cargo de Dave Gilmour, con el “toque” de que el solo va al final y que el canto parece “sumergirse” en él.

“Alan’s Psychedelic Breakfast” (Gilmour/ Waters/ Wright/ Mason, 13:00): Un experimento sonoro, idea original de Nick Mason, pero en el que paricipan todos. Es aquí donde el efecto cuadrofónico logra su mejor utilización, al permitir ubicar un sonido determinado en cualquier punto de la habitación.
Al comienzo una gota cae en un lavapalatos a un costado de la habitación, entonces se abre un apuerta en otro costado y se escucha el desplazamiento de los pasos de “Alan”, en zapatillas de levantarse por la cocina, para preparase el desayuno, abre un armario y lo oímos hablar mientras busca “cornflakes” y “marmalade”; luego pone agua en la tetera (no había hervidores eléctricos en 1970), prende un fósforo y pone la tetera al fuego. Entonces el piano de Wright presenta el primer tema, al que luego se sobrepone el organo eléctrico, luego de unos minutos la música deja paso a los ruidos ambientales. Ahora “Alan” sirve el cereal en un pocillo, le agrega leche y se lo come a cucharadas. El segundo tema es en guitarra y es bastante plácido y breve. Al terminar, encontramos a Alan friendo huevos, es clarametne reconocible tanto el crujido contínuo del aceite caliente, como los esporáricos “estallidos” de la clara sobrecalentada, esto deja paso a un tercer tema, una vez más en teclados con todo el grupo respaldándolo. Al terminar la música, Alan está terminando de lavar los platos; escuchamos correr el agua, el cerrar la llave, como escurre el agua por el desague y finalmente a Alan que sale de la cocina, cerrando la puerta, entonces se escucha la llave goteando interminablemente (originalmente, en el vinilo, la gota continuaba cayendo porque estaba grabada en el surco central del disco y se detenía solo al retirar uno la aguja del disco).

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